Durante Covid-19, algunos estudios de danza de Westport han implementado un horario híbrido donde los bailarines entran al estudio o bailan desde casa a través de Zoom. Debido a la diferencia en los alrededores, los bailarines tienen una experiencia diferente basada en su ubicación.
Atar el cabello en un moño, atar zapatos de punta y tirar de medias de color rosa claro. Esta es la rutina típica para los bailarines que se preparan para la clase. Sin embargo, iniciar sesión en Zoom ahora es parte de la preparación, ya que muchas clases de baile se transfieren a un modelo híbrido.
Debido al impacto continuo de Covid-19 en Westport y las ciudades circundantes, los estudios de baile locales han comenzado a celebrar algunas clases de baile en línea para bailarines para sentirse seguros mientras disfrutan de la actividad que aman.
Muchos estudiantes de Staples que bailan asisten a la Academia de Danza de Westport y están siguiendo el modelo híbrido. La mayoría de las clases disponibles en el estudio incluyen una mezcla de clases en persona y virtuales en las que los estudiantes tienen un horario rotativo que dicta los días en que están en casa o en el estudio. Sin embargo, algunos grupos más pequeños pueden tener clases completamente en persona.
Aunque este cronograma cumple con las regulaciones de Connecticut (que solo permite un máximo de 25 personas en el estudio), crea problemas para los bailarines.
Hace que las cosas sean mucho más difíciles para nuestra comunidad de baile porque, como estudio, todos somos muy apretados y somos básicamente una familia «.
Una de las dificultades de bailar en casa es que los bailarines no tienen acceso a los mismos recursos que tienen mientras están en el estudio. La bailarina Christina Meehan ’23 dijo que esto es lo que lo hace más difícil de estar en casa.
¿Qué se hace en un taller de danza?
Organizar talleres es una excelente manera de mantener a sus alumnos en contacto con sus habilidades de baile (además, significa algunos ingresos incluso en el tiempo de inactividad de los meses de verano). El tema o el enfoque de un taller puede ser sobre cualquier cosa, y realmente depende de sus alumnos y de lo que cree que es el uso más valioso de su tiempo. Los talleres suelen ser eventos de un día, por lo que trabajará con un horario limitado. ¡Use estas ideas de taller de baile para planificar con anticipación y maximizar las experiencias de sus bailarines!
Los talleres basados en habilidades o las sesiones intensivas en conjunto de habilidades son perfectas para trabajar en movimientos específicos o grupos musculares, y permiten pulir el movimiento más allá del alcance de la práctica habitual en el aula. Al programar talleres en los que tiene múltiples maestros disponibles durante todo el día, esos maestros pueden prestar más atención privada a los estudiantes que necesitan más ayuda, lo que permite una sola sesión para que todos los niveles diferentes mejoren al mismo tiempo.
Piense en movimientos que cree que podrían ser valiosos en el rendimiento futuro, o los problemas que consiste constantemente como movimientos que necesitan mejoras entre sus alumnos. Estos proyectos para abordar pueden ser más generales, como mejorar la postura de los estudiantes o movimientos específicos como el desarrollo.
A medida que los estudiantes envejecen, es importante darles opciones y exponerlas a diferentes tipos de baile. Cuanto más amplia sea la variedad de experiencias disponibles, mejores estudiantes comprenderán qué estilos les gustan y quieren seguir con más detalle. Ya sea que organice una clase de jazz para sus bailarines de ballet, ballet para sus bailarines de jazz, hip-hop o acro para todos, ayude a sus alumnos expulsándolos de sus zonas de confort y dejándoles probar diferentes medios de expresión.
¿Que se enseña en un taller de danza?
Un taller de baile es esencialmente una clase de baile abierto a la que cualquiera puede asistir. Asistir a talleres es una forma fantástica para que los bailarines amplíen su experiencia, salgan de sus zonas de confort, hagan conexiones y descubran nuevas formas de moverse y crear. Algunos talleres favoritos a los que los bailarines de DS han asistido este año han sido el editorial de Dance Dance Defyxbabe, Travis Wall y Lisa Ellis Dance Prescription.
Cada taller se ejecuta completamente diferente al siguiente, pero como un esquema general, esto es lo que debe esperar. La mayoría de los talleres hacen un calentamiento al comienzo de la clase, pero para estar a salvo, debe calentarse mientras espera por si acaso. Luego, dependiendo del taller, comenzará algún tipo de ejercicio o combo. Muchos talleres implicarán mucha escucha, ya que los maestros tienden a tener un mensaje u objetivo específico para compartir, usan este tiempo de inactividad para aplicar realmente cualquier corrección y compartir su visión durante la clase. Al final de cada taller, debe agradecer al maestro y saludar a cualquiera que haya conocido, ¡será útil y bueno tener algunas caras familiares para ver la próxima vez!
Los talleres son un gran lugar para conectarse con otros bailarines (tanto estudiantes como maestros) de todo el mundo. ¡Es muy importante hacer amigos con otras personas en la comunidad de baile, especialmente con las de diferentes estudios porque a medida que envejeces, puedes estar trabajando o bailando junto a ellos! También es genial crear una comunidad de danza positiva y conocer a las personas que también comparten una pasión por el baile.
- ¡Preséntese a personas nuevas!
- Entra con una mente abierta
- ¡Estar comprometido! – Rompe todo lo que aprende para que pueda aplicarlo más tarde
- Siempre agradezca a su maestro y asistentes al final del taller
- ¡Que te diviertas! Disfruta de la experiencia y no te tomes demasiado en serio
¡Nos encantaría escuchar algunas de tus experiencias de taller de baile! ¿Has estado alguna vez en uno? ¿Hay alguien al que te mueras por ir? ¡Comenta abajo!
¿Qué tipo de actividades se emplea la danza?
Una actividad de baile es una serie planificada o facilitada de problemas de movimiento que resuelven los participantes. Los bailarines usan su cuerpo en una amplia gama de formas de moverse, solos o con otros, de manera rítmica o irregular en un espacio.
Los problemas de movimiento podrían ser tan simples como un estilo de clase de «seguirme», coreografía de set de aprendizaje, un juego de baile con reglas y un ganador, movimientos improvisados dentro de una forma o una serie de dilemas creativos que, cuando se resuelven, crean un baile.
El propósito de la actividad de baile puede ser la expresión creativa, comunicar ideas o emociones de una manera diferente, promulgar un ritual cultural o simplemente moverse para la alegría de moverse. También podría tratarse de reunirse y moverse con otras personas.
Una actividad de baile en una escuela puede estar aprendiendo sobre los diversos géneros de baile que se realizan en entornos profesionales como ballet clásico, tap, danza moderna o hip hop. También podría ser parte de la danza cultural realizada en un entorno comunitario o aprender sobre un baile social como el Lindy Hop o cómo hacer la Macarena.
Sin embargo, la mayoría de las actividades de baile en un entorno educativo implicarán una combinación de hacer, actuar y responder a la danza.
Cada actividad de baile tendrá una clara intención de aprendizaje y, a menudo, cumplirá más de un criterio de aprendizaje.
Aquí hay un ejemplo de cómo se puede utilizar una actividad de baile para la primera infancia para cumplir con una variedad de requisitos educativos. He usado el mismo tema pero con una variedad de resultados de aprendizaje.
¿Cómo dar una clase de danza en preescolar?
Una de las preguntas que me hacen con más frecuencia es qué enseñar a los niños de 3 años en la clase de baile. Como los años preescolares son un momento de desarrollo rápido, cuando está planeando sus clases de baile preescolar, cada grupo de edad necesita atención cuidadosa. Los niños de 3 años pueden ser un desafío particular, ya que a menudo salen de las clases de baile de mamá y yo. El grupo de edad de 3-4 es la primera vez que los bailarines entran en la habitación por su cuenta y debes asegurarte de que se sientan seguros y que estén comprometidos y estimulados para crear un ambiente de aprendizaje fantástico para tus pequeños bailarines. Cuando se trata de qué enseñar a los niños de 3 años en la clase de baile, aquí hay algunos consejos. Estos se basan en el plan de ballet preescolar ampliamente utilizado, un plan de estudios de baile preescolar descargable que proporciona una base sólida para proporcionar instrucciones de baile preescolar de calidad.
- Entrando en la rutina de la habitación: esto puede sonar obvio, pero si no tiene un plan claro sobre cómo sus bailarines van a ingresar a la habitación, el desastre atacará antes de que haya bailado un paso. A esta temprana edad, la separación de los cuidadores puede ser estresante, por lo que establecer una rutina predecible es clave para establecer el tono para una clase de baile maravillosa. Sus bailarines deben comenzar a seguir una rutina en la que ingresan al estudio y encontrar su propio lugar especial. Los marcadores de lugar son fantásticos, ya que les dan a los bailarines una sensación de seguridad y ayudan a mantener la clase organizada y funcionando sin problemas. Puede usar puntos de poli, esteras o imágenes laminadas. Las esteras también son una gran opción y duran años.
2. Un calentamiento y articulación: cuando se trata de qué enseñar a los niños de 3 años en la clase de baile, la fase de calentamiento es clave. Involucrar a sus pequeños bailarines desde el primer momento de la clase es muy importante. Una lista de reproducción es de gran ayuda, ya que puedes configurarla y continuar directamente a través de alrededor de 5 canciones. Es una gran idea comenzar con algunas rimas de guardería familiares. Si un estudiante se siente un poco abrumado o nervioso, escuchar algo familiar realmente puede ayudarlos. Esta fase también puede incluir una articulación simple como los dedos felices, los dedos tristes, los movimientos simples de las manos y los estiramientos suaves.
3. Pasos simples de ballet: luego salta directamente a algunos simples escalones de ballet. No hay necesidad de enseñar el ejercicio o lanzarse a largas explicaciones de cómo hacer un paso. Simplemente comience su lista de reproducción y haga que los hijos lo sigan. A medida que avanzan las semanas, puede comenzar a refinar la técnica un poco a la vez.
- Entrando en la rutina de la habitación: esto puede sonar obvio, pero si no tiene un plan claro sobre cómo sus bailarines van a ingresar a la habitación, el desastre atacará antes de que haya bailado un paso. A esta temprana edad, la separación de los cuidadores puede ser estresante, por lo que establecer una rutina predecible es clave para establecer el tono para una clase de baile maravillosa. Sus bailarines deben comenzar a seguir una rutina en la que ingresan al estudio y encontrar su propio lugar especial. Los marcadores de lugar son fantásticos, ya que les dan a los bailarines una sensación de seguridad y ayudan a mantener la clase organizada y funcionando sin problemas. Puede usar puntos de poli, esteras o imágenes laminadas. Las esteras también son una gran opción y duran años.
4. Locomoción: una vez que termina la sección de ballet simple, puede comenzar en locomoción o a través de los escalones de la habitación. Una vez más, es muy útil usar marcadores de lugar en los que los niños se mueven de varias maneras. Los pasos de locomoción para niños de 3 años deben incluir
¿Cómo empezar a dar clases de danza?
Entonces, ¿te preguntas cómo convertirte en profesor de baile? Estás listo para compartir tu pasión por el baile con los demás, pero no estás seguro de por dónde empezar o cómo comenzar. Dependiendo de dónde desee enseñar, en un estudio, en la escuela PK -12 o en una universidad, cada uno requiere un viaje y calificaciones diferentes.
En esta guía, desglosaremos cómo convertirnos en un educador de danza en cada sector y proporcionaremos pistas útiles sobre las cosas a considerar. ¡En los consejos de Dance Ed hemos ayudado a miles de maestros de baile en todas las etapas de sus carreras, mejor educadores de danza a través de nuestros recursos, educación continua y membresía y sabemos que podemos hacer lo mismo por usted! ¡Empecemos!
Para ser un profesor de baile, debe tener dos tipos de conocimiento: conocimiento de contenido y conocimiento pedagógico.
El conocimiento del contenido es conocimiento sobre lo que está enseñando. En este caso, es baile. Como profesor de baile, debes conocer las prácticas de movimiento, la terminología, el contexto cultural e histórico y la función anatómica del estilo de baile que estás enseñando.
El conocimiento pedagógico es conocimiento sobre cómo enseñar. Esto significa comprender cómo las personas aprenden en varias etapas de desarrollo y poder implementar estrategias que les ayuden a obtener habilidades y comprensión.
Al enseñar danza, ambos mundos se unen para formar conocimiento de contenido pedagógico: estas son estrategias educativas específicas para enseñar un área de contenido particular. Para nosotros, se está convirtiendo en expertos en cómo enseñar danza específicamente.
¿Cómo organizar una clase de danza?
He estado en mi parte justa de malas clases (no tenemos todos) y es particularmente irritante haber pagado a su valioso Mulah para participar, solo para darse cuenta de cinco minutos en que probablemente podría enseñarle mejor a la clase.
En un intento por sentirse útil, aquí están mis diez mejores consejos sobre cómo planificar una clase (particularmente una clase abierta para adultos; pero la mayoría de los puntos son transferibles a una serie de configuraciones). Aquí va:
- Lo primero que debe hacer es hablar con su clase. Preséntate, el tema de la sesión, lo que harás, etc. Un grupo de personas que lo conoce tendrá mucho más confianza que si no tienen idea de lo que harán durante la próxima hora. Siempre tómese el tiempo para hablar.
- Nunca, nunca, nunca hagas estiramientos estáticos al comienzo de una clase. Este es Dance 101, pero te sorprendería cuántas veces he entrado en un estudio para que me digan que comience a estirarse de inmediato. ¿Quieres lesionar a la gente? Debería sinceramente esperar que no.
- Cree el ambiente adecuado para el movimiento que está a punto de explorar. Esto se puede hacer por su elección de música, proporcionando contexto para el género (ver el punto uno) y la forma en que usa su voz. Por ejemplo, nadie podrá encarnar la energía de dancehall si se pone música latina, usa una voz relajante, píduos que nos estiremos de inmediato y nos haga hacer cardio genérico como una forma de calentar. Lo que me lleva muy bien al punto cuatro…
- Siempre presente movimientos clave que planea usar más adelante en la sesión, en el calentamiento. Esto le dará a sus participantes la oportunidad de familiarizarse con los movimientos con anticipación y reafirma la confianza mencionada en el punto uno. También es una buena manera de ver cuántos en el grupo encuentran sus movimientos desafiantes en comparación con aquellos que parecen realmente cómodos con ellos.
- Parte I:
No importa cómo se anuncie su clase, siempre tendrá personas de habilidades mixtas en el estudio con usted. El uso de lenguaje descriptivo (símiles, metáforas, adjetivos) es una herramienta clave para que sus movimientos sean accesibles para una variedad de habilidades. Si puede describir cómo debe sentirse un paso, o puede compararse con un entorno específico (por ejemplo, moverse bajo el agua) o la sensación (por ejemplo, como si no tuviera huesos en su cuerpo), les da a sus participantes algo que visualizar para ayudarlos a dar sentido a tu movimiento en su propio cuerpo. Solo puedes obtener mucho al ver a alguien más demostrar.
Parte II:
Para acomodarse más, siempre tenga versiones simplificadas de sus pasos listas para retirarse, especialmente si tiene movimientos que son rápidos, complicados o requieren un alto nivel de fuerza o flexibilidad. No todos en la sala podrán ejecutar su coreografía avanzada y no se les debe hacer que se sientan mal por eso. (El otro lado de esto también es asegurarse de que tenga una versión más progresiva de sus pasos a tener en cuenta a aquellos que pueden ser altamente capacitados). - Liderando a partir de esto, para asegurarse de que todos se sientan valorados y como si estuvieran haciendo un buen trabajo (¡que serán!), Cada vez que ejecute la rutina/secuencia con el grupo, baile las versiones avanzadas y luego el estándar versión con ellos. También evite usar la palabra «fácil». Aunque puede ser tranquilizador para algunos, puede ser eliminado para otros: use «estándar» o «original» y «avanzado» para diferenciar.
- Esté atento al tiempo. Por ridículo que suene, estoy seguro de que todos hemos estado allí cuando un maestro pasa 40 minutos en una sección de una rutina y luego trata de enseñar la misma cantidad de material nuevo en los últimos 10 minutos para ‘terminar con ‘. O peor, hojas solo 5 minutos en los que se espera que coreógrafe los próximos 16 cuente usted mismo. No no no no no. En cambio…
- No tengas miedo de desviarse de tu plan de lección. Si un grupo tarda 40 minutos en aprender cinco movimientos, déjelo así. No los apresure e intentes enseñar tu coreografía completa porque eso es lo que te dijiste a ti mismo que harías. Tendrás un grupo desordenado y todos (incluido usted) se irán a casa sintiéndose frustrados. Es mucho mejor tener un grupo de bailarines seguros que realicen 30 segundos de movimiento realmente bien, que tener un grupo de bailarines intimidados y confundidos que se abren paso a través de dos minutos de material. Si el elemento creativo es un aspecto realmente importante para su clase, presente la tarea al principio de la sesión. Si lo terminan con mucho tiempo, vuelva a enseñar su coreografía. Conozca a su grupo, dales tiempo y escúchalos.
- Parte I:
No solas personas/no uses refuerzo negativo. A menos que esté herido y no pueda demostrar físicamente un movimiento, no le pida al grupo que vea a uno de los participantes como un ejemplo de qué hacer. Aunque puede sentirse edificante para que un individuo sea destacado de manera positiva, el resto del grupo puede sentirse a) resentido de que no elegirá ob) desconectado porque no están interesados en un ‘quién lo hace. Mejor ‘concurso.
PARTE II:
Igualmente, si un grupo no está recogiendo su movimiento, no haga que caigan y le dé veinte. Esto realmente sucedió en una clase abierta en la que estaba. En serio. Hay una serie de problemas con esto, pero los dos principales son a) a menos que su clase sea parte de un programa/academia de capacitación intensiva, este nivel de disciplina no es necesario yb) este método de enseñanza realmente está excluyendo, ¿qué pasa si sus participantes ¿No puede hacer físicamente un salto de press-up/sentadilla/sentadilla o lo que sea que esté haciendo que hagan? No solo sentirán basura de que no pueden hacer sus movimientos correctamente (lo que se registraron para probar), ahora se sienten aún peor porque has destacado que «deficiencia» y les han dado otra cosa que «no pueden hacer ‘Para los que no se inscribieron. Su clase no es un bootcamp o un centro de detención, siempre sea abierto y positivo y obtendrá los mejores resultados. Si no obtienen toda su coreografía, regrese al punto ocho.
- Lo primero que debe hacer es hablar con su clase. Preséntate, el tema de la sesión, lo que harás, etc. Un grupo de personas que lo conoce tendrá mucho más confianza que si no tienen idea de lo que harán durante la próxima hora. Siempre tómese el tiempo para hablar.
- Nunca, nunca, nunca hagas estiramientos estáticos al comienzo de una clase. Este es Dance 101, pero te sorprendería cuántas veces he entrado en un estudio para que me digan que comience a estirarse de inmediato. ¿Quieres lesionar a la gente? Debería sinceramente esperar que no.
- Cree el ambiente adecuado para el movimiento que está a punto de explorar. Esto se puede hacer por su elección de música, proporcionando contexto para el género (ver el punto uno) y la forma en que usa su voz. Por ejemplo, nadie podrá encarnar la energía de dancehall si se pone música latina, usa una voz relajante, píduos que nos estiremos de inmediato y nos haga hacer cardio genérico como una forma de calentar. Lo que me lleva muy bien al punto cuatro…
- Siempre presente movimientos clave que planea usar más adelante en la sesión, en el calentamiento. Esto le dará a sus participantes la oportunidad de familiarizarse con los movimientos con anticipación y reafirma la confianza mencionada en el punto uno. También es una buena manera de ver cuántos en el grupo encuentran sus movimientos desafiantes en comparación con aquellos que parecen realmente cómodos con ellos.
- Parte I:
No importa cómo se anuncie su clase, siempre tendrá personas de habilidades mixtas en el estudio con usted. El uso de lenguaje descriptivo (símiles, metáforas, adjetivos) es una herramienta clave para que sus movimientos sean accesibles para una variedad de habilidades. Si puede describir cómo debe sentirse un paso, o puede compararse con un entorno específico (por ejemplo, moverse bajo el agua) o la sensación (por ejemplo, como si no tuviera huesos en su cuerpo), les da a sus participantes algo que visualizar para ayudarlos a dar sentido a tu movimiento en su propio cuerpo. Solo puedes obtener mucho al ver a alguien más demostrar.
Parte II:
Para acomodarse más, siempre tenga versiones simplificadas de sus pasos listas para retirarse, especialmente si tiene movimientos que son rápidos, complicados o requieren un alto nivel de fuerza o flexibilidad. No todos en la sala podrán ejecutar su coreografía avanzada y no se les debe hacer que se sientan mal por eso. (El otro lado de esto también es asegurarse de que tenga una versión más progresiva de sus pasos a tener en cuenta a aquellos que pueden ser altamente capacitados). - Liderando a partir de esto, para asegurarse de que todos se sientan valorados y como si estuvieran haciendo un buen trabajo (¡que serán!), Cada vez que ejecute la rutina/secuencia con el grupo, baile las versiones avanzadas y luego el estándar versión con ellos. También evite usar la palabra «fácil». Aunque puede ser tranquilizador para algunos, puede ser eliminado para otros: use «estándar» o «original» y «avanzado» para diferenciar.
- Esté atento al tiempo. Por ridículo que suene, estoy seguro de que todos hemos estado allí cuando un maestro pasa 40 minutos en una sección de una rutina y luego trata de enseñar la misma cantidad de material nuevo en los últimos 10 minutos para ‘terminar con ‘. O peor, hojas solo 5 minutos en los que se espera que coreógrafe los próximos 16 cuente usted mismo. No no no no no. En cambio…
- No tengas miedo de desviarse de tu plan de lección. Si un grupo tarda 40 minutos en aprender cinco movimientos, déjelo así. No los apresure e intentes enseñar tu coreografía completa porque eso es lo que te dijiste a ti mismo que harías. Tendrás un grupo desordenado y todos (incluido usted) se irán a casa sintiéndose frustrados. Es mucho mejor tener un grupo de bailarines seguros que realicen 30 segundos de movimiento realmente bien, que tener un grupo de bailarines intimidados y confundidos que se abren paso a través de dos minutos de material. Si el elemento creativo es un aspecto realmente importante para su clase, presente la tarea al principio de la sesión. Si lo terminan con mucho tiempo, vuelva a enseñar su coreografía. Conozca a su grupo, dales tiempo y escúchalos.
- Parte I:
No solas personas/no uses refuerzo negativo. A menos que esté herido y no pueda demostrar físicamente un movimiento, no le pida al grupo que vea a uno de los participantes como un ejemplo de qué hacer. Aunque puede sentirse edificante para que un individuo sea destacado de manera positiva, el resto del grupo puede sentirse a) resentido de que no elegirá ob) desconectado porque no están interesados en un ‘quién lo hace. Mejor ‘concurso.
¡Estos son mis diez mejores consejos para planificar una clase de baile!
¿Qué es didactica en danza?
Baile, el movimiento del cuerpo de una manera rítmica, generalmente a la música y dentro de un espacio dado, con el propósito de expresar una idea o emoción, liberar energía o simplemente deleitarse con el movimiento en sí.
El baile es un impulso poderoso, pero el arte de la danza es ese impulso canalizado por artistas hábiles en algo que se vuelve intensamente expresivo y que puede deleitar a los espectadores que no sienten ningún deseo de bailar. Estos dos conceptos del arte de la danza, que dan como un poderoso impulso y danza como un arte hábilmente coreografiado practicado en gran medida por unos pocos profesionales, son las dos ideas de conexión más importantes que se atenúan a través de cualquier consideración del tema. En la danza, la conexión entre los dos conceptos es más fuerte que en otras artes, y ninguno puede existir sin el otro.
Aunque la definición amplia anterior cubre todas las formas del arte, los filósofos y los críticos a lo largo de la historia han sugerido diferentes definiciones de danza que han sido poco más que descripciones del tipo de baile con el que cada escritor era más familiar. Por lo tanto, la declaración de Aristóteles en la poética de que el baile es el movimiento rítmico cuyo propósito es «representar a los personajes de los hombres y a lo que hacen y sufren» se refiere al papel central que el baile jugó en el teatro griego clásico, donde el coro a través de sus movimientos recreó el Temas del drama durante los interludios líricos.
¿Qué es la didáctica de la danza?
El baile como profesión y como disciplina se unen internamente. La danza se convierte en el núcleo que apoya la educación de la danza como un medio artístico y educativo. La educación de la danza se define como educar al alumno a través de los medios de comunicación de baile, fabricación de danza y apreciación de la danza. En la superficie, esta definición parece simple, pero en su simplicidad se encuentra también su complejidad. La educación de la danza no es tan simple como juntar la danza y la educación.
El baile significa diferentes cosas para diferentes pueblos y culturas. A menudo es difícil separar al bailarín del baile. La definición de la danza proporciona una base para construir una comprensión de la educación de danza.
Simplemente definido, el baile es el cuerpo humano que se mueve rítmicamente a través del espacio y el tiempo con energía o esfuerzo. La danza involucra los atributos físicos, mentales y espirituales del bailarín cuando se realiza la danza como una obra de arte, un ritual cultural, una recreación social, una actividad de salud y bienestar, o una expresión de la persona. Una forma de baile se inicia del movimiento físico, el ritmo, el contenido, el estilo, la estética, las tradiciones y los significados mentales y espirituales que pueden ser artísticos, creativos, sociales, culturales o religiosos. Las formas de baile se pueden designar en categorías o géneros: movimiento creativo y danza creativa; danza recreativa, que incluye formas folclóricas, culturales y de danza social; Formas de baile de concierto; y bailar aptitud física. Un género de danza es una clase o categoría de arte o danza basada en un conjunto de criterios estilísticos. Los ejemplos de género incluyen ballet, danza moderna, jazz, baile de tap y hip-hop. Una forma de baile es una subcategoría de un género de baile. Ejemplos de algunas formas de baile en el género de danza recreativa incluyen Dancing Line, Round y Square.
El baile como arte es un conducto de expresión y comunicación: el mensaje y el medio. Proporciona una estructura que puede ser compleja, precisa, informal o personal a través de la cual el bailarín expresa movimiento, estilo y estética. El baile es lo que te atrae como bailarín en una búsqueda continua de conocimiento sobre ti mismo en tu relación cambiante con el baile.
La danza puede transportarte desde el estudio, el gimnasio o el espacio de baile al teatro u otros espacios de actuación y a las arenas más grandes de la vida. Es parte de la sociedad y la academia y un componente importante de la educación artística. De una forma u otra, el baile puede ser su socio de toda la vida que lo enriquecerá y lo cumplirá como ser humano. La danza ofrece innumerables recompensas a la audiencia que miran actuaciones, a los estudiantes que enseñas y a la profesión a través de la investigación que realiza. Cualquiera sea el papel que asumas, el baile no es nada sin el bailarín, y ninguno puede existir sin educación de danza.
¿Qué se debe enseñar en la danza?
¡Habrás entendido que el baile clásico está a años ligero de las lecciones de Zumba Online o Hip Hop que podemos encontrar en Internet!
La danza clásica es un deporte real, además de ser un arte. Tiene numerosas ventajas y es beneficioso para el cuerpo y la mente.
Cuando pensamos en un Danseuse Étoile, lo vemos lleno de gracia, llevamos a cabo el pas de deux, los entornos y los grandes pliés. Su Port de Tête es elegante, sus brazos estirados, todo su cuerpo. ¡No puedes evitar querer imitarlo!
La danza clásica es la mejor manera de mejorar su postura. Mantenga recta, con una cabeza alta y hombros bajos y estire la columna vertebral son las primeras cosas que aprendes en un curso de baile clásico.
Así, la gracia y la elegancia también se adquieren en su propio periódico.
¿Sabía usted que? La danza clásica a menudo se recomienda para personas que sufren de dolor de espalda. Con el refuerzo muscular y el estiramiento realizado durante la calefacción, le permite entrenar los abdominales y fortalecer la parte posterior.
Cuando pensamos en el bailarín clásico, también pensamos en la división, el pie en la mano o los Jetés de Grands con piernas perfectamente tensas.
De hecho, desde la primera lección de baile clásica, los ejercicios para aumentar la flexibilidad serán parte de la calefacción.
La flexibilidad es útil para evitar lastimarse y contrastar el envejecimiento natural de las articulaciones y los tendones. Te será útil en otros estilos de baile como la danza contemporánea, la danza moderna o el hip hop, el danza del vientre y el vals.
¿Qué es la danza en la educación infantil?
Desde girar y saltar hasta controlar cuidadosamente el movimiento de manos y dedos, la danza involucra todos los aspectos del desarrollo físico de un niño.
Bailar también despierta la creatividad interna en todos los niños, lo que les permite escuchar una pieza musical y decidir cómo su cuerpo puede responder mejor a ella.
En el movimiento creativo de la primera infancia, es importante tener una mezcla de direcciones estructuradas para moverse y mucho tiempo para explorar individuos. Este equilibrio hace que los niños se acostumbren a dar vida a la visión creativa de otra persona mientras da tiempo para su propia exploración.
Para tener una vida social saludable, los niños deben comprender y abrazar su propia singularidad.
A través del movimiento creativo, aprenden que no todos interpretan música de la misma manera que lo hacen, y no todos se mueven lo mismo. Esto ayuda a los niños a ver que todos son diferentes, pero nadie está mal en su individualidad.
Ser capaz de comprender estas diferencias, y las similitudes, ayudar a los niños a desarrollar habilidades sociales más ricas y una mejor aceptación de los demás.
Enseñar a los niños a una edad temprana que el ejercicio frecuente es divertido y beneficioso ayuda a construir amantes de la vida de los deportes y el movimiento. Esto lleva a mejorar la salud y el bienestar incluso como adultos.
El movimiento coordinado es esencial para el desarrollo cerebral adecuado, lo cual es necesario para desarrollar habilidades lingüísticas.
El lado derecho del cerebro, el lado de detección y sentimiento, funciona mejor a través de actividades creativas. El lado izquierdo es el lado lógico de pensamiento y planificación del cerebro.
¿Qué es la danza en educación infantil?
Las repercusiones de las enfermedades en la escolarización pueden conducir a necesidades educativas específicas (BEP). Para la escuela, se trata principalmente de facilitar el acceso al aprendizaje para los estudiantes, ya sea enfermo o no, mediante la implementación de prácticas beneficiosas para todos. Pero para algunos pacientes jóvenes, se deben llevar a cabo arreglos específicos, con respecto a la vida escolar y/o los horarios de clase. Se trata de permitirles aprender sus capacidades en el mejor de los casos, en un contexto favorable y gracias a las adaptaciones educativas individuales o dentro de grupos pequeños.
El bailarín evoluciona en un espacio y un momento en el que adquirirá gradualmente el control. Los estudiantes que sufren de enfermedades crónicas tienen una educación especial y discontinua en términos de lugares y tiempo. Los períodos de remisión les permiten encontrar su escuela de vecindario, pero la necesidad de atención también en hospitales o convalecencia. Por lo tanto, son estudiantes que evolucionan en múltiples lugares. Diariamente, sus estilos de vida a menudo dependen directamente de la enfermedad y el ritmo de sus días se construye de acuerdo con la atención que necesitan. La danza confronta a los estudiantes enfermos con situaciones en las que pueden conquistar el espacio y modelar el tiempo con el ritmo de sus movimientos y, por lo tanto, tener el control en algún momento. Por ejemplo, podemos ofrecerles una variación sobre la apropiación del espacio escénico (use poco o mucho espacio, trabaje los procesos de composición como la repetición, orientación o transposición de un círculo a una línea…) o en el Diversidad de ritmos (desde la estatua hasta las variaciones en el movimiento de los movimientos…).
El bailarín usa su cuerpo, pero el alumno con una enfermedad crónica con frecuencia tiene una relación con el cuerpo que pasa por el sufrimiento, con la existencia de numerosos actos médicos, a veces dolorosos y agotadores, comúnmente significativos. Muy a menudo el objeto de atención, «desposeído» de sí mismo, el estudiante se somete a los tratamientos y luego no tiene lugar en las decisiones tomadas para él. Su cuerpo no siempre parece pertenecer a él. Bailar puede permitirle modificar esta relación con su cuerpo. Al usarlo como herramienta para la expresión, creación y transmisión de emociones, puede recuperarlo y disfrutar de momentos de libertad y placer. Actividades en torno a temas como animales (se mueven como un pájaro o un gato), los cuatro elementos (hielo que inmoviliza el gas que se dispersa…) o de objetos diarios (un sombrero, un paraguas, una cuchara…) pueden ser El apoyo de una expresión creativa, el profesor está atento a tomar decisiones liberadas de la enfermedad. El baile puede darle al estudiante enfermo la oportunidad de cambiar el enfoque de su cuerpo.
La vida cotidiana del estudiante que padece enfermedades crónicas generalmente difiere de la de sus camaradas y puede ser muy difícil, si no imposible, compartir su intensidad. La fuente de soledad, ansiedad o esperanza, las repercusiones psicológicas y emocionales de la enfermedad a menudo permanecen profundas en el alumno. El baile ofrece una modalidad de palabras de expresión personal diferente, un lenguaje limpio que puede permitir al estudiante tener un medio de deliberar sus emociones o transmitirlas transformándolas. Porque lo que crea no es exactamente el reflejo de sí mismo, sino un trabajo para compartir, mostrando un sueño e intentando superar la realidad. Por lo tanto, el baile permite al estudiante desarrollar su imaginación mediante la ampliación de sus sentidos y sensaciones, mientras transpone sus emociones. Su cuerpo se convierte en una fuente de placer, y ya no de sufrimiento. Las entradas lúdicas a la actividad de baile, como «caminar como un robot, caminar con zancos o moverse como una ingravidez» pueden conducir a la capacidad de superar o expresar sus emociones.
El estudiante enfermo es con menos frecuencia que sus camaradas dentro de las actividades colectivas: sus ausencias, las repercusiones de su enfermedad o su cuidado limita sus oportunidades de experiencias colectivas, deportivas y artísticas (deportes públicos o cooperación, rondas, danza, cuerpo o expresión teatral. ..). Por lo tanto, la enfermedad reduce el acceso del estudiante a una cultura común, incluidas las actividades que involucran al cuerpo. El baile, por el contrario, obliga al intercambio de espacio y ofrece al estudiante una experiencia corporal colectiva. Por lo tanto, el estudiante no baila solo y evoluciona en un grupo, en contacto cercano con los otros bailarines. A través de instrucciones como «moverse en» banco de peces «, espejo o paralelo, al unísono o en el cañón», adquiere la capacidad de coordinar sus movimientos a los del grupo. La proximidad física, para el estudiante que padece enfermedades crónicas, a menudo experimentada solo en el contexto de su cuidado, el baile le ofrece la posibilidad de experimentar con una relación con otros diferentes en un espacio común, donde todos construyen su viaje y su expresión tomando en cuenta el otro.
¿Qué importancia tiene la danza en los niños?
Hay muchas razones por las que los padres eligen inscribir a sus hijos en clases de baile, para los beneficios para la salud, expandir su creatividad, o simplemente porque aman el arte de la danza. Las clases de baile pueden enseñar a un niño autoconfianza, autodisciplina, equilibrio y gracia. ¡Lo más importante es que las clases de baile son divertidas!
Lo creas o no, las clases de baile pueden ayudar a tu hijo a desarrollar habilidades de trabajo y aprendizaje que ayudarán a establecer a tu hijo para el éxito durante toda su vida.
Estos son algunos de nuestros beneficios favoritos de las clases de baile:
Bailar es una gran forma de ejercicio, y el amor por el baile desde una edad temprana puede ayudar a motivar a los niños a mantenerse activos a medida que se convierten en adultos. Las clases de baile pueden aumentar la flexibilidad de su hijo, el rango de movimiento, la fuerza física y la resistencia. Además de promover la salud general, el desarrollo mejorado en estas áreas puede ayudar a los niños con deportes y otras actividades en la escuela y más allá.
Cuando su hijo experimenta la alegría de bailar, él o ella aprende sobre expresarse de una manera que sea beneficiosa para su salud física y mental. Esta expresión proporciona una salida estructurada para una liberación física y emocional saludable que ayude a desarrollar la madurez emocional. Al dar a los niños la libertad de canalizar sus emociones y energías en un entorno seguro, su autoestima y confianza aumentarán significativamente.
El baile es una actividad altamente social. En una clase de baile, los niños aprenden a trabajar como parte de un equipo, desarrollan un mayor sentido de confianza y cooperación, y hacen nuevos amigos. Con cada clase, los niños interactúan con otros bailarines en la clase, y la mayoría de las veces desarrollan amistades de por vida con esos bailarines. ¡Los amigos de baile son amigos para siempre!
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