Todos los docentes en el Museo de Arte de Tucson están recibiendo un curso de actualización «Post Covid»: estas 82 preguntas son tareas requeridas. El esfuerzo y las ideas del autor (¿Cindy?) Se aprecian y actualmente son utilizados. Gracias.
Es interesante saber que apreciar el arte puede ser una experiencia emocional e independiente. Estoy tomando cursos de ingeniería en este momento, pero visitar un museo una vez con mi amigo me hizo darme cuenta de lo maravilloso que es el arte, incluso si no tiene ninguna relación directa con mi título elegido. Puede ser una buena idea buscar esculturas realistas y comenzar a estudiar arte desde allí.
¡Hola Cindy! He intentado descargarlos y seguir recibiendo los recursos gratuitos de apreciación del arte. Espero utilizarlos para una participación de los padres con la obra de arte de mis alumnos. Si aún puede compartir las preguntas sobre las tarjetas de arte, ¡lo agradecería toneladas! ¡Gracias!
Estoy en la misión de revolucionar la educación con el poder de las conexiones artísticas que cambian la vida. El arte no es «extra». El arte es esencial. Estamos capacitando a los maestros para cerrar la brecha entre la fabricación de arte y la conexión de arte, encendiendo una pasión por el arte que transformará a las generaciones.
Spark es un marco completo de crítica de arte y discusión que enciende conexiones de arte de estudiantes más profundas y discusiones de arte de aula más atractivas. ¡Descargue estos carteles de chispa gratuitos más una hoja de trabajo para usar en su salón de clases!
¿Que se puede investigar sobre el arte?
Ciencia: participar en investigaciones simples; Use el aula y
Herramientas para el hogar independientemente con coordinación ocular para llevar a cabo
actividades.
Social/emocional: gestionar la expresión de los sentimientos,
Pensamientos, impulsos y comportamientos con orientación mínima de adultos.
Matemáticas: Crear formas durante el juego construyendo, dibujando, etc. Comprender
y use nombres de formas al identificar objetos.
Salud física: coordinar el uso de manos, dedos y
Muñecas para manipular objetos y realizar tareas que requieren movimientos precisos.
Social/Emocional: Muestra confianza en las propias habilidades y
lograr tareas de rutina y familiares de forma independiente.
Ciencia: participar en investigaciones simples.
Salud física: utilice herramientas de clase y hogar
Independientemente con la coordinación de los ojos para llevar a cabo actividades.
Matemáticas: Crear formas durante el juego de la construcción, dibujo,
etc. Entender y usar nombres de formas
Al identificar objetos.
Salud física: coordinar el uso de manos, dedos y
muñecas para manipular objetos y realizar tareas que requieren precisas
movimientos.
Ciencia: use herramientas simples para extender la investigación.
Salud física: coordinar el uso de manos, dedos y
Muñecas para manipular objetos y realizar tareas que requieren movimientos precisos. Utilice las herramientas de clase y hogar
independientemente con la coordinación de los ojos para llevar a cabo actividades. Muestra la confianza en las habilidades propias y
lograr tareas de rutina y familiares de forma independiente.
¿Qué temas se pueden tratar en una exposición artística?
Las exhibiciones de arte comunitario son una excelente manera de obtener una variedad de artistas de la comunidad local para exhibir su trabajo juntos. No solo proporciona a los artistas establecidos un evento para presentar su trabajo, sino que también brinda a artistas aficionados prometedores la oportunidad de ingresar al mundo del arte.
Una vez que haya encontrado un gran espacio comunitario, ya sea una habitación en una galería de arte establecida o un espacio en un edificio comunitario como una biblioteca, edificio histórico o salón, puede comenzar a planificar el tema para su exposición.
Asegúrese de considerar la amplia gama de medios en los que los artistas locales trabajarán (por ejemplo, fotografía, escultura, pintura, dibujo, impresión, etc.) y luego elegirán un tema que fomentará a una variedad de artistas.
Las siguientes diez ideas de temas pueden funcionar muy bien para grandes grupos de artistas: completarlas para adaptarlas o usarlas como lo necesite:
El arte pequeño es un pequeño trabajo en dos o tres dimensiones que miden no más de 20 cm por 20 cm. Un beneficio de un tema como este es que se pueden mostrar muchas entradas dentro del espacio de estudio. También desafía a los artistas a enfocar sus ideas reduciendo el tamaño y el alcance del trabajo.
Una exposición inspirada en una ubicación, ciudad, ciudad o lugar. Este tema saca diversas interpretaciones artísticas de un espacio local y es lo suficientemente amplio como para producir una amplia gama de obras.
Invite a lo largo de los miembros de la comunidad local como parte de un panel de evaluación o evaluación, incluya en un evento de apertura para mejorar la sensación del tema local.
¿Cuáles son los tipos de arte que hay?
Desde tiempos prehistóricos, los humanos han estado creando arte de varias formas. A lo largo de los años, a medida que las herramientas y las tecnologías han cambiado y desarrollado, el concepto de lo que significa arte ha sido objeto de escrutinio y, de hecho, es un debate continuo. Hay diferentes opiniones sobre lo que se puede clasificar como arte. En este artículo, discutiremos siete de los tipos de arte más ampliamente aceptados sin confundirlos con el género de arte y la forma en el arte. Las siete formas principales de arte son pintar, escultura, arquitectura, literatura, música, cine y teatro.
Hay tantas definiciones de arte como personas vivas. Como una definición ampliamente aceptada, el arte se produce cuando la imaginación o la creatividad se usan para crear algo que se pueda experimentar directamente a través de nuestros sentidos. Aunque el arte visual que se presenta a través de nuestro sentido de la vista es la forma más común, el arte también puede atraer a nuestros otros sentidos, como nuestras percepciones auditivas o táctiles.
La mayoría de las formas de arte que se discuten en este artículo se remontan a miles de años. Desde pinturas y figuras de cuevas prehistóricas que se encuentran en cuevas húmedas en todo el mundo hasta la exquisita arquitectura y esculturas en Grecia y Roma, incluso en el mundo antiguo, la creatividad desempeñó una parte monumental en la vida personal y pública, como continúa hoy.
A medida que se han desarrollado las técnicas en el arte, gran parte de la conversación en los círculos de arte se ha preocupado por lo que significa la palabra «arte».
¿Qué es lo que provoca el arte?
Experimentar un bloque creativo es una parte inevitable de la vida y el proceso para artistas y diseñadores. Puede venir en muchas formas diferentes y por varias razones. Identificar la fuente del bloqueo es uno de los primeros pasos para trabajar para permitir que las ideas vuelvan a fluir libremente. Entonces, ¿qué causa el bloqueo creativo? RMCAD reunió cuatro de las razones más comunes por las que ocurre el bloqueo creativo y cómo empujarlo a continuación.
Mientras que algunos prosperan y crean un trabajo brillante bajo presión, otros pueden sentirse sofocados por estas circunstancias estresantes. Ser consciente de su entorno y observarlos es clave. ¿Cómo están afectando estas circunstancias sus pensamientos y sentimientos?
La capacidad de crear a menudo puede estar vinculada a nuestras circunstancias externas, y cuando estas circunstancias producen estrés o infelicidad, puede detener el proceso creativo. Por ejemplo, en este momento hay disturbios civiles masivos acompañados por una pandemia global. Muchas vidas han tenido que transformarse y adaptarse enormemente para sobrevivir en este nuevo entorno. La gente pasa más tiempo en casa con menos interacción cara a cara, haciendo menos de lo que les trae alegría y felicidad.
Este tipo de cambio masivo puede causar cambios en nuestros cuerpos, mentes, emociones, pensamientos, sentimientos e inevitablemente creatividad. El cambio no ocurre de la noche a la mañana. Una pandemia global y un llamado al cambio radical y el comportamiento no se pueden remediar tan fácilmente.
Lo que podemos hacer es crear un santuario dentro de nuestros hogares y nuestras mentes. Esto significa crear un espacio para que nos sentimos cómodos y tranquilos y tomarse el tiempo para calmar nuestras mentes. Podría significar tomarse el tiempo para dejar nuestros teléfonos y computadoras, o participar en actividades como meditación, cocinar, coser, dibujar, pintar, pasar tiempo al aire libre, escuchar música, etc. Separarnos de leer noticias o desplazarnos a través de las redes sociales y combinar Con estas actividades puede ayudar a aliviar el estrés en la mente y crear un espacio para que crezcan nuevas ideas.
¿Qué es lo que expresa el arte?
La opinión de que «el arte es imitación (representación)» no solo ha sido desafiado, sino que ha sido moribundo en al menos algunas de las artes desde el siglo XIX. Posteriormente fue reemplazado por la teoría de que el arte es expresión. En lugar de reflejar los estados del mundo externo, el arte refleja el estado interno del artista. Esto, al menos, parece estar implícito en el significado central de la expresión: la manifestación externa de un estado interno. El arte como una representación de la existencia externa (ciertamente «visto a través de un temperamento») ha sido reemplazado por el arte como una expresión de la vida interior de los humanos.
Pero los términos expresos y expresión son ambiguos y no siempre denotan lo mismo. Al igual que muchos otros términos, Express está sujeto a la ambigüedad del producto de proceso: la misma palabra se usa para un proceso y para el producto que resulta de ese proceso. «La música expresa sentimiento» puede significar que el compositor expresó el sentimiento humano al escribir la música o que la música cuando se escucha es expresiva (de alguna manera aún por definirse) de los sentimientos humanos. Basado en el primer sentido están las teorías sobre la creación del arte. Fundadas en la segunda están las teorías sobre el contenido del arte y la finalización de su creación.
La creación de una obra de arte es provocar una nueva combinación de elementos en el medio (tonos en la música, palabras en literatura, pinturas en lienzo, etc.). Los elementos existían de antemano pero no en la misma combinación; La creación es la reformación de estos materiales preexistentes. La preexistencia de los materiales es cierto para la creación, aparte del arte: en la creación de una teoría científica o la creación de una perturbación. Se aplica incluso a la creación en la mayoría de las teologías, excepto algunas versiones de la teología cristiana, en las que la creación es ex nihilo, es decir, sin materia preexistente.
Esa creación ocurre en varios medios de arte es una verdad obvia. Pero una vez que esto se otorga, aún no se ha dicho nada sobre la expresión, y el expresionista diría que la declaración anterior sobre la creación es demasiado leve para cubrir lo que debe decir sobre el proceso de creación artística. El proceso creativo, el expresionista quiere decir, es (o también es) un proceso expresivo, y para la expresión es necesaria algo más que el artista está creando algo. Se debe tener mucho cuidado en esta etapa: algunos dicen que la creación del arte es (o implica) la autoexpresión; Otros dicen que es la expresión del sentimiento, aunque no necesariamente del sentimiento de uno (o tal vez eso y algo más, como el sentimiento de la cultura o de la nación o de toda la humanidad); Otros dicen que no se limita necesariamente a los sentimientos, sino que las ideas o pensamientos pueden expresarse, como claramente están en ensayos. Pero la visión distintivamente expresionista de la creación artística es el producto del movimiento romántico, según el cual la expresión de sentimientos constituye la creación del arte, así como la filosofía y otras disciplinas son la expresión de ideas. Es, en cualquier caso, la teoría del arte como la expresión de los sentimientos (que aquí se tomará para incluir emociones y actitudes) la que ha sido históricamente significativa y desarrollada: el arte como especialmente conectado con la vida del sentimiento.
Cuando se dice que las personas expresan sentimientos, ¿qué están haciendo específicamente? En un sentido perfectamente ordinario, expresar es «dejar ir» o «dejar a vapor»: las personas pueden expresar su ira arrojando cosas o maldiciendo o golpeando a las personas que las han enojado. Pero, como muchos escritores han señalado, este tipo de «expresar» tiene poco que ver con el arte; Como dijo el filósofo estadounidense John Dewey, es más un «derrame» o un «arrojar» que la expresión. Al menos en el arte, la expresión requiere un medio, un medio recalcitrante y que los artistas deben doblarse a su voluntad. Al lanzar cosas para expresar enojo, no hay medio, o, si el cuerpo de uno se llama medio, entonces es algo que uno no tiene que estudiar para usar para ese propósito. Todavía es necesario distinguir una «liberación natural» de una expresión. Si la poesía fuera literalmente «el desbordamiento espontáneo de sentimientos poderosos», como dijo William Wordsworth, consistiría en gran medida en cosas como lágrimas y balsos incoherentes. Si se puede decir que la creación artística es un proceso de expresión, se debe significar algo diferente y más específico que la liberación o descarga natural.
¿Que se transmite a través del arte?
La relación entre el arte y la epistemología ha sido siempre tenue y tensa con mucho debate. Parece bastante obvio que ganamos algo significativo de las experiencias e interacciones con obras de arte. No parece tan obvio si las experiencias que tenemos con el arte pueden producir un conocimiento proposicional constituido por la verdadera creencia justificada. En lo que sigue, daré algunos antecedentes históricos sobre el debate y desarrollaré algunos de los temas importantes que rodean la pregunta «(¿qué) podemos aprender del arte?»
Si bien los objetos de manera estética es una actividad perceptiva y emocionalmente cargada, también es fundamentalmente cognitivo. Como tal, el compromiso estético está casado con una serie de preocupaciones epistemológicas. Por ejemplo, comúnmente afirmamos saber cosas sobre el arte, y respetamos lo que dicen los críticos sobre varios géneros del arte. Decimos que pensamos que la obra era buena o mala, que las emociones que produjo estaban justificadas, justificadas, manipulativas o apropiadas. Las personas comúnmente afirman que aprenden del arte, que el arte cambia su percepción del mundo, y que el arte tiene un impacto en la forma en que ven y dan sentido al mundo. También se cree ampliamente que las obras de arte, especialmente buenas obras de arte, pueden generar creencias sobre el mundo y, a su vez, pueden proporcionar conocimiento sobre el mundo. Pero, ¿qué es exactamente lo que podemos saber sobre el arte? ¿Qué es precisamente que el arte nos pueda enseñar? ¿Hay algún tipo de contenido proposicional que el arte pueda proporcionar que se asemeja al contenido que afirmamos necesitar para otros tipos de reclamos de conocimiento? Este es el tipo de preguntas que enmarcan el debate sobre si, y en qué sentido, el arte es cognitivo.
La pregunta de si podemos aprender o no del arte se remonta a Platón, ya que advirtió sobre los peligros de disfrutar de representaciones miméticas y narrativas del mundo y de acciones humanas. El debate posterior ha soportado en la literatura filosófica contemporánea y ha estimulado la pregunta adicional de cómo podemos aprender del arte. Los argumentos tanto a favor como en contra de la noción de que podemos aprender del arte también se han desarrollado. El debate no es menos complicado de lo que fue históricamente, ni está más cerca de resolverse.
¿Que tiene que tener el arte para ser arte?
El arte es algo que hacemos, un verbo. El arte es una expresión de nuestros pensamientos, emociones, intuiciones y deseos, pero es aún más personal que eso: se trata de compartir la forma en que experimentamos el mundo, que para muchos es una extensión de la personalidad. Es la comunicación de conceptos íntimos lo que no puede ser retratado fielmente solo por palabras. Y debido a que las palabras por sí solas no son suficientes, debemos encontrar algún otro vehículo para llevar nuestra intención. Pero el contenido que inculgamos o en nuestros medios elegidos no es en sí mismo el arte. El arte se encuentra en cómo se usan los medios, la forma en que se expresa el contenido.
¿Qué es entonces la belleza? La belleza es mucho más que cosmética: no se trata de belleza. Hay muchas imágenes bonitas disponibles en la tienda de muebles para el hogar del vecindario; Pero estos podríamos no referirnos como hermosos; Y no es difícil encontrar obras de expresión artística en las que podamos estar de acuerdo que son hermosos que no son necesariamente bonitos. La belleza es más bien una medida de afecto, una medida de emoción. En el contexto del arte, la belleza es el medidor de una comunicación exitosa entre los participantes: el transporte de un concepto entre el artista y el perceptor. Hermoso arte tiene éxito en retratar las emociones más profundas del artista, los conceptos deseados, ya sean bonitos, brillantes, oscuros y siniestros. Pero ni el artista ni el observador pueden estar seguros de la comunicación exitosa al final. Entonces la belleza en el arte es eternamente subjetiva.
Las obras de arte pueden provocar una sensación de asombro o cinismo, esperanza o desesperación, adoración o rencor; La obra de arte puede ser directa o compleja, sutil o explícita, inteligible u oscura; y los sujetos y los enfoques para la creación del arte están limitados solo por la imaginación del artista. En consecuencia, creo que definir el arte basado en su contenido es una empresa condenada.
Ahora, un tema en la estética, el estudio del arte, es la afirmación de que existe un desapego o distancia entre las obras de arte y el flujo de la vida cotidiana. Por lo tanto, las obras de arte se elevan como islas de una corriente de preocupaciones más pragmáticas. Cuando sales de un río y subes a una isla, has llegado a tu destino. Del mismo modo, la actitud estética requiere que trate la experiencia artística como un final: el arte nos pide que lleguemos vacíos de ideas preconcebidas y atiende a la forma en que experimentamos la obra de arte. Y aunque una persona puede tener una «experiencia estética» de una escena natural, sabor o textura, el arte es diferente en que se produce. Por lo tanto, el arte es la comunicación intencional de una experiencia como un final de sí mismo. El contenido de esa experiencia en su contexto cultural puede determinar si la obra de arte es popular o ridiculizada, significativa o trivial, pero es arte de cualquier manera.
¿Qué debe tener el arte para ser arte?
¿Qué se necesita para hacer una gran obra de arte? Esta pregunta aparentemente simple, pero profundamente compleja, se ha debatido a lo largo de la historia del arte. ¿Quién decide qué es el arte «bueno» y qué es el arte «malo»? Si bien muchos buscan respuestas a los críticos y curadores de arte, decidimos recurrir a una amplia variedad de artistas contemporáneos, yendo directamente a la fuente.
Desde ilustradores hasta artistas en papel, fotógrafos y artistas de instalación, ¿qué hacen las mentes creativas detrás de la sensación de arte contemporáneo más estimulante de hoy es la clave para el gran arte? Para muchos, es subjetivo y puede abarcar una variedad de características, pero mientras encuestamos a los artistas había temas generales. La innovación, la conectividad emocional y un poco de suerte se mencionaron repetidamente sin importar el medio.
La eterna búsqueda de un gran arte, por supuesto, cambia con el tiempo, disminuyendo y fluyendo con gustos y tendencias. Entonces, echemos un vistazo a cómo responden estos artistas del siglo XXI cuando se plantean con esta pregunta desafiante.
Cuando comencé a practicar arte, nuestros profesores nos harían dibujar los bustos de esculturas muy reconocidas. Los bustos se convirtieron en pacientes amigos y mentores míos. Hasta el día de hoy recordaré el tiempo que pasé dibujándolos. Para respirar una nueva vida y revitalizar viejos recuerdos, he recreado estas herramientas de estudio utilizando mi propio modo de expresión: el papel.
Mi creación artística tiene muchos temas. Sin embargo, todos están cerca de mi pensamiento, mi experiencia y mi vida ahora. Esos temas, que se han expresado, son el material, que proviene de mi pensamiento interior. Cuando las personas miran una caja, piensan «es una caja». Pero, en realidad, puede cambiar a otra cosa. Quiero cambiar la imagen, cambiar la forma en que las personas ven las cosas para que piensen de otra manera y más profundamente.
¿Qué es lo que hace que algo sea arte?
Esta pregunta aparece a menudo y con muchas respuestas. Muchos argumentan que el arte no se puede definir. Podríamos hacer esto de varias maneras. El arte a menudo se considera el proceso o el producto de la organización deliberada de elementos de una manera que atraiga a los sentidos o emociones. Abarca una amplia gama de actividades humanas, creaciones y formas de expresión, incluida la música, la literatura, el cine, la escultura y las pinturas. El significado del arte se explora en una rama de la filosofía conocida como estética. Al menos, eso es lo que afirma Wikipedia.
Los formularios web están en el centro de cada interacción significativa, por lo que vale la pena manejar firmemente. Conozca los patrones de diseño de formularios de Adam Silver, una guía práctica para diseñar y construir formularios para la web.
El arte generalmente se entiende como cualquier actividad o producto realizado por personas con un propósito comunicativo o estético, algo que expresa una idea, una emoción o, en general, una visión del mundo.
Es un componente de la cultura, que refleja sustratos económicos y sociales en su diseño. Transmite ideas y valores inherentes a cada cultura en todo el espacio y el tiempo. Su papel cambia a través del tiempo, adquiriendo más un componente estético aquí y una función socioeducativa allí.
Todo lo que hemos dicho hasta ahora tiene elementos de verdad, pero es principalmente la opinión. Según Wikipedia, «los historiadores del arte y los filósofos del arte han tenido disputas clasificatorias sobre el arte sobre si una forma cultural o obra de trabajo particular debe clasificarse como arte».
¿Qué preguntas hacer sobre una pintura?
¿Qué eventos estaban sucediendo en el mundo en el momento en que se creó la pieza?
¿Qué equipo se habría necesitado para crearlo?
¿Cuánto tiempo crees que le habría llevado al artista crearlo?
¿Por qué crees que este medio fue elegido para esta pieza?
Si la pieza que está viendo es una escultura, ¿cómo la representaría como una pintura (o viceversa)?
¿El estilo de la pieza es realista, abstracto o algo más?
¿La pieza tendría el mismo impacto si se hiciera en un estilo diferente? ¿Por qué o por qué no?
¿Puedes ver pinceladas? ¿Qué tipo de energía tienen?
¿La escultura es suave o áspera? ¿Cómo es esto importante?
¿La pieza a escala o es más pequeña/más grande? ¿Cómo cambia esto como te sientes? Si fuera más grande o más pequeño, ¿cambiaría el impacto de la pieza?
¿Qué está haciendo la pieza? ¿Cuenta una historia? Evocar un sentimiento? Documentar un evento? Presentar una idea?
¿Qué emociones se capturan en la pieza? Si hay personas en la pieza, ¿cuáles son sus expresiones?
¿Qué partes de la pieza te hacen sentir como lo haces?
¿La pieza recuerda alguno de sus propios eventos o recuerdos de su vida?
¿Cómo ha cambiado su opinión sobre esta pieza desde el momento en que comenzó a mirarla hasta ahora?
Es posible que no siempre tenga tiempo para ejecutar una lista de 30 preguntas cuando está mirando una obra de arte. Sin embargo, siempre tiene tiempo para detenerse durante unos minutos (o segundos) para mirar realmente algo antes de formar una opinión. Es importante que nos tomemos el tiempo para ser conscientes al mirar el arte, o podríamos perder algo que podría cambiar nuestra perspectiva. Tomarse el tiempo para conectarse con las artes, ya sea pasar tiempo frente a una escultura o escuchar podcasts creativos, nos ayuda a mantenernos motivados e inspirados.
¿Que se puede evaluar en una pintura?
La función principal del revestimiento arquitectónico es proteger los metales, la madera y otros materiales contra la corrosión y la descomposición. En lo que respecta a la pintura doméstica, uno de los objetivos principales es garantizar que la pintura permanezca unida a su sustrato, y que conserve sus propiedades esenciales el mayor tiempo posible. La selección del material de pintura derecho es absolutamente crucial para lograr este objetivo.
Como pintores de la casa en la buena URSS en la década de 1970, se esperaba que hiciéramos nuestra propia pintura (ver mi historia). Me parece totalmente loco que se esperaba que hiciéramos esto, o a veces incluso cocinar huesos de animales crudos para hacer pegamento para su uso como carpeta de pintura. Pero hicimos lo que teníamos que hacer. Sin embargo, una buena cosa que salió de todo esto es que realmente aprendí sobre lo que hay en un cubo de pintura, y esto posteriormente condujo a una mayor comprensión de lo que hace que un galón de pintura sea mejor que otro.
Solventes (también llamados vehículos): estos son líquidos rápidos para evaporar (agua para la pintura de látex y los espíritus minerales para las pinturas a base de aceite) que mantienen en suspensión los aglutinantes y los pigmentos y hacen posible que se aplique. Los solventes evaporarán y dejarán una película continua de pigmento y aglutinante.
Pigmentos: los pigmentos son partículas finamente molidas que le dan a pintar su color y opacidad (capacidad de «ocultar» la superficie a la que se aplica).
¿Cómo se puede analizar una pintura?
- A menudo, se agrega una pequeña cantidad de un compuesto fluorescente, generalmente silicato de zinc activado por manganeso, al adsorbente que permite la visualización de manchas bajo luz UV-C (254 nm). La capa adsorbente fluorescará la luz-verde luz por sí misma, pero las manchas de analito apagan esta fluorescencia.
Una vez visible, el valor de RF, o el factor de retraso, de cada punto se puede determinar dividiendo la distancia del producto recorrido por la distancia que el frente del disolvente recorrió el sitio de manchas inicial como referencia. Estos valores dependen del solvente utilizado y del tipo de placa TLC y no son constantes físicas.
En química orgánica, las reacciones se controlan cualitativamente con TLC. Las manchas muestreadas con un tubo capilar se colocan en la placa: una mancha de material de partida, un punto de la mezcla de reacción y un punto transversal con ambos. Una pequeña placa TLC (3 por 7 cm) tarda un par de minutos en correr. El análisis es cualitativo, y mostrará si el material de partida ha desaparecido, es decir, la reacción se completa, si ha aparecido algún producto y cuántos productos se generan (aunque esto podría subestimarse debido a la coelución). Desafortunadamente, los TLC de las reacciones a baja temperatura pueden dar resultados engañosos, porque la muestra se calienta a temperatura ambiente en el capilar, lo que puede alterar la reacción: la muestra calentada analizada por TLC no es lo mismo que está en el matraz de baja temperatura . Una de esas reacciones es la reducción de Dibalh del éster al aldehído.
En un estudio, TLC se ha aplicado en la detección de reacciones orgánicas, [11], por ejemplo, en el ajuste de la síntesis binap de 2-naftol. En este método, la solución de alcohol y catalizador (por ejemplo, hierro (III) cloruro) se colocan por separado en la línea de base, luego se reaccionan y luego se analizan instantáneamente.
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